曾為文指香港聽眾，寧聽唱片也不聽真正的現場音樂，但其實那正是筆者以往的寫照，亦因此錯過不少現已作古的名家演出。近年因工作需要，多聽了現場演出，漸漸習慣了一度背棄的音樂廳，對所膜拜的唱片亦生懷疑。
看過有批評樂評的文章，大意是指不應直接拿錄音來衡量現場演出的好壞，例如「某某這場彈得不錯，但還是不及荷洛維茲的RCA版本好」。的確很難抵擋如此誘惑：市面有大量大師的錄音，在港現場欣賞大師的機會很少，本地樂手的音樂會不多，也不平衡。我們有管弦樂團，但如果想現場聽全套巴哈《平均律》，或貝多芬全套鋼琴奏鳴曲，幾乎是比聽柏林愛樂更遙不可及。（到底是香港沒人曉彈，還是沒人敢辦？希望藝團或大專院校能稍為推動一下，不如從莫扎特的全套鋼琴奏鳴曲開始吧。）現實是：現代人的賞樂品味根本就是由唱片所塑造。
這就是Evan Eisenberg的《The Recording Angel》的重要觀點。第二章就是叫做「音樂變成一件東西」。百多年前，你到人府上，問：「有音樂嗎？」人家就會拿出樂譜，但還是要有人彈奏才會變成音樂。之後，「音樂」就變成唱片，甚至是電腦或隨身聽的檔案。Music Amateur一字，亦從略曉樂器的「業餘樂手」趨向放唱片的「音樂愛好者」。
本書作者的音樂品味是以古典為主的，所以全書也是以古典音樂的錄音工業說得最精。筆者中學時的英文老師，對本地的流行音樂嗤之以鼻，因為香港的偶像歌手是一個音一個音的去錄，老外的現場錄音是「一take過」。呵呵呵，只是你聽不出。古典音樂的現場錄音也會修修補補，因為監製是不會對錯誤坐視不理的。Eisenberg指古典唱片的監製的發展，是由三個代表人物促成的。
Fred Gaisberg就是瞞着公司，重金禮聘歌王卡羅素留下玉音的第一代唱片監製。他的工作目標，就是邀請名家灌錄唱片，以及確保成品達到相當要求。Walter Legge不單要無瑕，還要逼迫樂手，不到完美誓不休，甚至要比現場還要好。John Culshaw的那一代，也要完美，但就不會那麼辛苦不斷重試，有剪接台就夠了。在灌錄歌劇時，Culshaw並不滿足於將聽眾帶入歌劇院，而是將舞台帶到家中。蕭提的華格納及理察史特勞斯的歌劇錄音，有大量聲效，正是出自Culshaw之手。順帶一提，Culshaw為想在錄音室灌錄《指環》，特意將Decca在華格納聖城拜萊特，以立體聲灌錄的現場錄音封殺，不予出版，而這套《指環》將於今年重見天日。
筆者鼓勵大家去現埸聽音樂，不論一流或二流，非因相信「live music is better」（美國的一種車尾貼紙），而是要透過現場體驗，認識唱片的人為增刪，來調較賞樂期望。早在七十年前，剪接、改變音量及咪高峰位置，已為普羅高菲夫利用，來為艾森斯坦的電影《亞歷山大．涅夫斯基》配樂，他就是從艾氏的分鏡取得靈感。錄音，並不是把REC按下那麼簡單。
Eisenberg並非一味批判錄音，他認為唱片令爵士音樂從原來在酒吧的背景音樂，提升為可以專心欣賞的音樂。他對唱片、甚至消費文化有不少精闢見解，例如他就唱片收藏家，提出「因為沒有品味，不敢遺漏，所以一件也不放過」的看法，那正是本地可樂迷的寫照。或是指音響發燒友，乃唐璜上身，因縱有萬千佳麗，還是忍不住繼續覓尋。話說回頭，能不能拿唱片跟現場比較？筆者不置可否，但基於兩者之殊異，甚至不同影音器材的規限，勉強比較容易招人笑話，自知功力未夠，可免則免。